“Bajo la bomba. El jazz de la guerra de imágenes transatlántica. 1946-1956″ en el MACBA

Hoy hemos asistido a la inauguración de la exposición ‘Bajo la bomba (…)’ en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). A continuación incluímos algunas fotografías del evento y la nota de prensa correspondiente al mismo. También podemos anunciar que en el número 2 de Art Signal Magazine publicaremos un artículo más, dedicado a esta muestra y al contexto del arte en Estados Unidos y Francia durante los inicios de la Guerra Fría.

NOTA DE PRENSA.- Esta exposición analiza las querellas estéticas del periodo comprendido entre 1946 y 1956, época en la que Nueva York sustituyó a París como centro neurálgico del arte moderno. La muestra pretende comparar y contrastar el arte producido en Francia y en EEUU en esos años, con el objetivo de entender cómo y por qué algunas obras se convirtieron, aunque fuera por poco tiempo en cada país, en iconos culturales que contenían poderes simbólicos fabulosos pero limitados, para después convertirse en signos mediáticos comercializables de gran popularidad.

En Bajo la bomba (…) se estudiarán, asimismo, los motivos por los cuales los iconos populares de una cultura no fueron reconocidos por la otra cultura en ese momento particular. Después de la victoria del expresionismo abstracto, los críticos americanos despreciaron la producción artística francesa por considerarla vana y sin sentido. Confrontada con la imponente presencia del movimiento victorioso del expresionismo abstracto, la escena artística francesa, en su riqueza fragmentada, parecía incapaz de proyectar una voz o dirección únicas para el futuro, como París lo había hecho en el pasado.

Estudiar la historia del arte francés y norteamericano posterior a la II Guerra Mundial constituye hoy un reto considerable, no solo porque este período no ha sido estudiado en profundidad, sino porque el consenso entre investigadores ha sido moldeado profundamente por el éxito del arte americano. El arte francés de esta época ha sido considerado como débil e irrelevante, pero lo interesante es que en ese momento mostraba las características esenciales de la producción artística occidental: los mismos debates sobre el realismo, la abstracción geométrica y formas del expresionismo abstracto. Lo específico a la escena francesa era la politización extrema de la expresión artística en una cultura todavía contenida en una tradición revolucionaria y violenta, en un momento de grandes tensiones durante los días de división en la Guerra Fría.

La exposición, organizada siguiendo un orden cronológico estricto, incluirá obras de pintores de la vanguardia clásica tan conocidos como Pablo Picasso, Fernand Léger, Wassily Kandinsky o Henri Matisse -que tuvieron gran peso en el desarrollo del arte de la postguerra- y dará también la oportunidad de contemplar obras de artistas raramente expuestos en España, vinculados al partido comunista francés, como Jean Dewasne o Edouard Pignon. El núcleo central de la muestra se desarrolla alrededor de obras de artistas tan fundamentales como Jackson Pollock, Motherwell, Willem de Kooning, Mark Rothko, Gorky, Wols, Michaux, van de Velde, de Staël, Soulages, Hartung… así como las de otros artistas relevantes en su momento, pero olvidados para el gran público: Giuseppe Capogrossi, Vieira da Silva, Howard Daum, Gertrude Barrer, Alfred Manessier o Steve Wheeler, o los pintores afroamericanos Romare Bearden y Byron Brown, entre otros.

Las obras de todos estos artistas, que se convirtieron en su momento en importantes puntos de referencia en medio del “caos” de la vida cotidiana, serán analizadas en esta exposición en relación a su historia particular y discutidas en el marco de los problemas del momento.

También se ilustrará la participación del estado español en este debate transoceánico de imágenes. Para ello, y siguiendo la estructura de la exposición, se han seleccionado un gran número de documentos de la época que, junto con obras de artistas como Esteban Vicente, José Guerrero, Antoni Tàpies, Manuel Millares, Antonio Saura y Luis Feito, se organizarán alrededor de tres importantes muestras: la 1ª Bienal Hispanoamericana de 1951, el curso/exposición de Arte Abstracto de Santander en 1953 y la Bienal de Venecia de 1958. Estos tres acontecimientos culturales serán el “hilo conductor” para explicar cómo la abstracción vuelve a aparecer en España después de la guerra, y cómo su discurso se adaptó -por parte de todos los agentes implicados- para cumplir los requisitos del régimen. La primera bienal significó la tímida apertura estatal a las tendencias abstractas, mientras que el curso de Santander comportó su aceptación y readaptación por parte de la critica y de la “inteligencia” artística y, por último, la Bienal de Venecia trajo consigo el exitoso lanzamiento internacional de las mismas.

Esta exposición pretende romper el corsé construido por el formalismo, para introducir en la discusión diferentes tipos de discursos: películas, periódicos, moda, archivos, entrevistas y programas de radio serán confrontados a las obras de arte, para desarrollar una hipótesis sobre algunas de las razones que explican por qué motivo determinadas obras específicas tuvieron éxito y por qué otras, en cambio, ni siquiera fueron vistas y mucho menos discutidas.

Fuente: MACBA (Archivo PDF)

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Alexander Calder y New Photography 2007 en el MoMA de Nueva York

El renombrado museo situado entre la 5º y la 6º avenida de la ciudad de Nueva York, presentó en el pasado mes de septiembre sus primeras exposiciones de la temporada otoño-invierno: la exposición dedicada al escultor norteamericano Alexander Calder (1898-1976), junto a la muestra anual New Photography, que incluye obras de Tanyth Berkeley, Scott McFarland y Berni Searle.

La exposición bajo el rótulo ‘Alexander Calder’ se centra en las obras creadas por este escultor en las décadas de los 20 y los 40, previas a su época de trabajos monumentales para el espacio público. Famoso por sus esculturas móviles abstractas, también presentes en esta muestra comisariada por Anne Umland y Veronica Roberts del departamento del pintura y escultura del museo, Calder demuestra “su humor, sofisticación visual y creatividad en su forma de hacer arte, lo que sigilosamente revolucionó las ideas de lo que una escultura moderna puede ser”.

Alexander Calder. Spider, 1939. © 2007 Estate of
Alexander Calder / Artists Rights Society (ARS), New York

Por otro lado, la muestra anual ‘New Photography’ se acerca al trabajo de tres fotógrafos de procedencias, estilos y técnicas muy diversas, según explica Eva Respini, comisaria de la misma.

Tanyth Berkely (EE.UU, 1969) se concentra en retratos que van desde mujeres travestis, performers urbanos, a otros de sus propios amigos. En todos ellos hay una intención de buscar nuevos caminos con los que redefinir las convenciones de lo bello. Berkeley ha realizado recientemente su segunda exposición en solitario en la Galería Bellwether de Nueva York, después de haber participado en otras muestras colectivas en el PS1 (2005) y el Museo de Arte Contemporáneo de Colorado (2005).

Tanyth Berkeley, Grace in the window, 2006 - Cortesía de la Galería Bellwether, Nueva York

Scott McFarland (Canadá, 1975) combina digitalmente múltiples negativos con lo que consigue fusionar en una misma imagen, el paso del tiempo que se refleja en los diversos instantes en los que realiza estas fotografías, en ocasiones separados por semanas o meses de diferencia. McFarland se interesa especialmente por lugares artificialmente construidos con el objetivo de hacerlos parecer naturales, por ejemplo, de los Jardines Botánicos de San Marino (California) o del Zoo de Berlín. Sus exposiciones recientes incluyen ‘The Constructed Image: Photographic Culture’ en el Museo Canadiense de Arte Contemporáneo en Toronto (2007) y ‘Acting the Part: Photography as Theatre’ en la Vancouver Art Gallery (2007).

Scott McFarland. Echinocactus Grusonii, 2006 © 2007 Scott McFarland

Berni Searle (Sudáfrica, 1964) trabaja con fotografías e instalaciones de vídeo y cine. Su serie ‘About to Forget’ muestra una serie fotográfica de instantáneas de su familia a lo largo de tres generaciones, con las que después recorta sus siluetas y recrea nuevos grupos. ‘Approach’ y ‘Descent I, II, II’ –reproducidas a continuación– muestran a una mujer sobre lo que parece una pequeña montaña al amanecer y al anochecer, sin embargo, aquello que parece tierra es en realidad una enorme acumulación de huevas a las ya se les ha sacado su jugo para hacer vino. Así, el acto de pisar uvas para hacer vino –inspirado en la tradición vinícola existente en Sudáfrica implantada por franceses y holandeses en el siglo XVIII– se “convierte en un proceso inútil y agotado que evoca simbólicamente las ideas de abundancia, exceso y vulnerabilidad”. Sus exposiciones se han presentado en la Johannesburg Art Gallery (2006-2007) ), la muestra “Global Feminism” en el Brooklyn Museum (2007), y las Bienales de Venecia del 2001 y 2005.

Bernie Searle, Approach, 2006 - Cortesía de Michael Stevenson

Fuentes: MoMA; Artdaily; Berni Searle.

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