La quinta edición de la feria londinense Frieze cierra sus puertas situándose en lo más alto del mercado internacional del arte

Frieze 2007 acogió en Londres, entre los pasados 12 y 14 de octubre, la exposición de los artistas representados por un total de 151 exclusivas galerías procedentes de 28 países. Las actividades de esta feria organizada por la revista homónima Frieze, se han realizado en una carpa temporal de 21.000 metros cuadrados diseñada por Jamie Fobert y ubicada en el Regent’s Park de Londres. Frieze es considerada como una de las tres principales ferias de arte internacional al mismo nivel que Basilea o la sucursal americana de esta, Miami Art Basel. A continuación recogemos algunas de las reacciones que se han publicado en la prensa y los medios de internet durante los últimos días:

• The Guardian Blog of Art & Architecture: ¿Por qué Frieze es una mina de oro?

“Cuando una obra llega a conseguir el Premio Turner o también se presenta en cualquier otro tipo de evento público, esta ya ha sido analizada, criticada e institucionalizada. En Frieze sin embargo se puede observar todo en bruto. Es como bajar hasta el mercado de pescado y comprar una langosta viva. Visitando el stand de la galería Doggerfisher ubicada en Edinburgo puedes ver –e incluso comprar– fotografías en blanco de Nathan Coley, barajado este año para el Turner –atrápalo mientras está fresco. Si vamos a la Galería Stephen Friedman encontraremos un trabajo terrorífico que ningún museo va a exhibir durante mucho tiempo: un objeto de Thomas Hirschhorn que incorpora “fotografías trofeo” de cuerpos humanos no sólo asesinados sino triturados. No dejes por cierto bajo ningún concepto que un niño vea esto”, escribe Jonathan Jones. Y continúa ahondando sobre el trabajo de Hirschhorn selañando que “de manera más efectiva que el muy comentando ‘arte de guerra’ de Mark Wallinger expesto en la Tate Britain, las obras de Hirschhorn son demasiado obscenas para ser comisariadas por una institución pública –es decir, por un espacio no comercial– pero si puede ir al espacio de su marchante en Regent’s Street y verlo. Cualquiera puede verlo en Frieze. En otras palabras, el mercado del arte es tan efervescente que demanda no sólo los artistas comerciales típicos que se pueden ver en la White Cube Gallery sino que también desafía el estado del mundo de una manera bastante viciosa. Hirschhorn es un profesional del mundo del arte, y un auténtico disidente”. Continuar leyendo (en inglés) »

Frieze 2007 - Fotografía de Mulberries

• The Independent: Es Frieze, la feria de arte donde aficionados y ameteurs abren sus billeteras.

Grandes trompas francesas, signos de neon de Tracey Emin, retratos de Kate Moss, billetes de banco desfigurados de Jake y Dinos Chapman reclaman la atención en la Feria de Arte Frieze, que se inaugura hoy en Regent’s Park.

Ventas multimillonarias se espera que sean acordadas por los propietarios de las más de 150 galerías, desde Larry Gagosian de Nueva York hasta los londinenses Jay Jopling y Iwan Wirth de Zurich. Charles Dupplin, presidente de la división de arte de Hiscox Artprojects estima que el valor de las operaciones puede llegar a los 125 millones de libras.

Cuando la feria abrió ayer las ventas para los profesionales, la Tate estuvo entre los más importantes compradores británicos utilizando su fondos especiales de 150.000 libras para comprar cuatro obras que serán expuestas en la Tate Modern el próximo mes. Los trabajos son una gran instalación de artista polaco Pawel Althamer; una serie de Mauro Restiffe de fotografías en blanco y negro de escenas urbanas; una escultura de tres metros del alto de un molino titulada ‘Mouline Rouge’, del artista alemán Andreas Slominski; y la proyección de imágenes mostrando un palimsesto de exteriores e interiores arquitectónicos de Armando Andrade Tudela titulada ‘Altered House’. Ni Slominski ni Restiffe estaban representados en la colección del Tate.

Nicholas Serota, director de la Tate, comentó que la institución pretendía comprar trabajos de artistas de Europa del Este y de Latinoamérica, y la feria ofreció una buena oportunidad para ver los mejores trabajos de jóvenes artistas desconocidos. Continuar leyendo (en inglés) »

Frieze Art Fair 2006

• Cinco Días: Galerías del culto para grandes coleccionistas

Jay Jopling, casado con la conocida artista británica Sam Taylor-Wood -nominada al Premio Turner en 1998-, abrió White Cube en 1993 en un piso de Duke Street, uno de los tradicionales distritos artísticos londinenses. Desde ese pequeño espacio consagrado al arte contemporáneo, ha ejercido una fuerte influencia en el mercado. La idea central era crear un espacio de intimidad donde un artista pudiera presentar un trabajo dentro de un ambiente adecuado, en línea con la experiencia que Walter de Maria desarrolló en Nueva York con Earth Room. Además de Hirst, en White Cube han exhibido su obra artistas como Franz Ackerman, Check Close, Tracey Emin o Jeff Wall. La galería de Duke Street cerró en 2002, para dar paso a otros dos modernos y amplios locales. En septiembre de 2006, inauguró la galería de Mason’s Yard, en lo que había sido una central eléctrica y desde la que continúa con su programa de exposiciones de alto perfil -Gabriel Orozco fue el primer artista que expuso-.

Larry Gagosian abrió sus puertas a Damien Hirst en 1996 con la exposición No sense of absolute corruption en su local de Soho. El marchante ha pagado por cuenta de sus clientes anónimos algunas de las cifras récords de los últimos tiempos en el arte contemporáneo. Gagosian tiene espacios en Nueva York, Beverly Hills, Londres, Roma y Moscú. Precisamente, el próximo 19 de octubre viajará a la capital rusa con más de 40 obras de artistas contemporáneos, entre los que destacan Willem de Kooning, Pablo Picasso o Andy Warhol, para seducir al creciente coleccionismo de ese país. La exposición tendrá lugar en el Barvikha Luxury Village, un centro comercial de lujo a las afueras de Moscú, donde se venden desde Ferraris a bolsos de Prada o adornos de Tiffany. No es la primera vez que Gagosian trata el arte como un artículo de lujo, el mes pasado transformó su galería de Chelsea en un escenario de pase de modelos para la colección de Levi Strauss codiseñada por Hirst. Continuar leyendo »

• Agencia ANSA: Latinoamericanos triunfan en la feria Frieze de Londres

Los artistas latinoamericanos tuvieron un gran éxito en la Ferie Frieze de Londres, una de las más importantes de arte contemporáneo del mundo y que abrió anoche sus puertas a coleccionistas, compradores, curadores y miembros del público.

La feria, que entra en su quinto año y que se ha posicionado junto a Art Basel entre las más destacadas del calendario de arte, contó en esta edición con una fuerte presencia latinoamericana.

Entre los destacados se encontró el argentino Pablo Bronstein, quien expuso en tres galerías diferentes, Herald Street, de Londres, Franco Noero, de Turín, y Gavin Brown Enterprise, de Nueva York.

Para su proyecto en la galería estadounidense, Bronstein, de 30 años y residente en la capital británica, montó una feria de libros, que incluyó la reimpresión de obras del gótico inglés del siglo XIX y comienzos del XIX, entre ellas un poemario de la escritora inglesa Edith Sitwell. Continuar leyendo »

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Julio González, la Colección del IVAM

Del amplio programa de actividades que presenta este año el IVAM, celebrando el 18 aniversario de su creación, sin duda, destaca la gran muestra sobre Julio González (Barcelona 1876 – París 1942), uno de los escultores más importantes del siglo XX.

Su obra no es muy numerosa y está distribuida entre los mayores museos de arte moderno: Musée Nacional d´Art Moderne de París, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museum of Modern Art de Nueva York. Pero la colección considerada la más completa de las existentes sobre el escultor se encuentra en el Institut Valencià d´Art Modern (IVAM). Iniciada en 1985, a partir de adquisiciones y donaciones, consta de 394 obras (esculturas, dibujos, orfebrería, pinturas y relieves). El museo también conserva obras de Joan González (Barcelona 1968-1908), hermano de Julio, y de Roberta, hija de Julio González.

La exposición Julio González. La Colección del IVAM reúne una selección de las obras más representativas del artista de esta colección. Mediante diferentes salas se propone una muestra de las obras que marcaron su trayectoria vital y artística:

Sala 1. De Barcelona a París (c. 1900-1920).

“(…) En esta sala se muestra un pequeña selección de objetos de orfebrería de Julio González y de dibujos de Joan González. Tanto en unos como en otros se puede observar cómo la influencia inicial del Modernismo va cediendo paulatinamente ante la del Novecentismo. Antes de 1920, a pesar de su dedicación a la orfebrería, Julio González cultivó también la pintura y la escultura. En esta sala se presentan una selección de dibujos, cuadros y esculturas realizadas en ese período (…)”

Sala 2. Planos y volúmenes.

“(…) En esta sala puede verse un grupo de relieves metálicos (latón, hierro, bronce o aleaciones de cobre) ejecutados por Julio González entre 1924 y 1928. Algunos de ellos están inacabados, y conservan trazos del dibujo preparatorio; ello nos permite comprender mejor el proceso de trabajo del escultor. Junto a los relieves se han incluido también algunos dibujos sobre papel, un medio que sirvió frecuentemente a González como instrumento auxiliar para la escultura (…)”

Sala 3. Dibujar en el espacio.

“(…) A partir de 1930, con esculturas como Arlequín, de la que aquí se presenta una fundición en bronce (el original de hierro forjado está en Kunsthaus de Zurich), Julio González formula un lenguaje escultórico que supone probablemente la mayor revolución formal llevada a cabo hasta ese momento en el campo de la escultura. Como se ha dicho muchas veces, esa revolución consistía en sustituir las masas y volúmenes llenos de escultura tradicional, por un nuevo lenguaje hecho de planos, líneas y vacíos (…)”

Sala 4. La materia. La sombra. El sueño.

“(…) Julio González aborda, en torno a 1934, unas nuevas vías de búsqueda que le orientarán hacia valores propios de la estatuaria tradicional, valores de masa, volumen y superficie. Este deslizamiento puede entenderse, en términos formales, como una vía de investigación distinta, quizá contraria, a la de los primeros años 30. Pero se puede entender también a la luz de una cadena de asociaciones metafóricas entre los términos: volumen cerrado, sombra, noche y materia. Las obras que mejor responden a esta nueva vía de investigación son además de El encapuchado, Mujer sentada, Mujer sentada II, (de las que se muestran aquí versiones en bronce fundido) y un conjunto de cabezas hechas en piedra calcárea que la mayor parte de los especialistas datan en torno a 1934-36, pero que fueron realizadas probablemente a lo largo de un período de tiempo más largo.”

Sala 5. Tiempos de guerra. Últimas obras.

“(…) En 1940 con la ocupación alemana, Julio González, abandona París y, aunque vuelve a su taller al cabo de unos meses, no le es posible ya trabajar en metal porque carece de combustible para la soldadura autógena y para la forja. Sus últimas obras (el artista muere en marzo de 1943) son dibujos o pequeñas esculturas de escayola que tienen un carácter íntimo, despoblado y fragmentado. Son los últimos frutos del gran proyecto artístico de Julio González. El proyecto de crear una escultura moderna capaz de dar testimonio de su tiempo con la misma intensidad con que lo hacia la escultura de las catedrales medievales.”

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