“Bajo la bomba. El jazz de la guerra de imágenes transatlántica. 1946-1956″ en el MACBA

Hoy hemos asistido a la inauguración de la exposición ‘Bajo la bomba (…)’ en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). A continuación incluímos algunas fotografías del evento y la nota de prensa correspondiente al mismo. También podemos anunciar que en el número 2 de Art Signal Magazine publicaremos un artículo más, dedicado a esta muestra y al contexto del arte en Estados Unidos y Francia durante los inicios de la Guerra Fría.

NOTA DE PRENSA.- Esta exposición analiza las querellas estéticas del periodo comprendido entre 1946 y 1956, época en la que Nueva York sustituyó a París como centro neurálgico del arte moderno. La muestra pretende comparar y contrastar el arte producido en Francia y en EEUU en esos años, con el objetivo de entender cómo y por qué algunas obras se convirtieron, aunque fuera por poco tiempo en cada país, en iconos culturales que contenían poderes simbólicos fabulosos pero limitados, para después convertirse en signos mediáticos comercializables de gran popularidad.

En Bajo la bomba (…) se estudiarán, asimismo, los motivos por los cuales los iconos populares de una cultura no fueron reconocidos por la otra cultura en ese momento particular. Después de la victoria del expresionismo abstracto, los críticos americanos despreciaron la producción artística francesa por considerarla vana y sin sentido. Confrontada con la imponente presencia del movimiento victorioso del expresionismo abstracto, la escena artística francesa, en su riqueza fragmentada, parecía incapaz de proyectar una voz o dirección únicas para el futuro, como París lo había hecho en el pasado.

Estudiar la historia del arte francés y norteamericano posterior a la II Guerra Mundial constituye hoy un reto considerable, no solo porque este período no ha sido estudiado en profundidad, sino porque el consenso entre investigadores ha sido moldeado profundamente por el éxito del arte americano. El arte francés de esta época ha sido considerado como débil e irrelevante, pero lo interesante es que en ese momento mostraba las características esenciales de la producción artística occidental: los mismos debates sobre el realismo, la abstracción geométrica y formas del expresionismo abstracto. Lo específico a la escena francesa era la politización extrema de la expresión artística en una cultura todavía contenida en una tradición revolucionaria y violenta, en un momento de grandes tensiones durante los días de división en la Guerra Fría.

La exposición, organizada siguiendo un orden cronológico estricto, incluirá obras de pintores de la vanguardia clásica tan conocidos como Pablo Picasso, Fernand Léger, Wassily Kandinsky o Henri Matisse -que tuvieron gran peso en el desarrollo del arte de la postguerra- y dará también la oportunidad de contemplar obras de artistas raramente expuestos en España, vinculados al partido comunista francés, como Jean Dewasne o Edouard Pignon. El núcleo central de la muestra se desarrolla alrededor de obras de artistas tan fundamentales como Jackson Pollock, Motherwell, Willem de Kooning, Mark Rothko, Gorky, Wols, Michaux, van de Velde, de Staël, Soulages, Hartung… así como las de otros artistas relevantes en su momento, pero olvidados para el gran público: Giuseppe Capogrossi, Vieira da Silva, Howard Daum, Gertrude Barrer, Alfred Manessier o Steve Wheeler, o los pintores afroamericanos Romare Bearden y Byron Brown, entre otros.

Las obras de todos estos artistas, que se convirtieron en su momento en importantes puntos de referencia en medio del “caos” de la vida cotidiana, serán analizadas en esta exposición en relación a su historia particular y discutidas en el marco de los problemas del momento.

También se ilustrará la participación del estado español en este debate transoceánico de imágenes. Para ello, y siguiendo la estructura de la exposición, se han seleccionado un gran número de documentos de la época que, junto con obras de artistas como Esteban Vicente, José Guerrero, Antoni Tàpies, Manuel Millares, Antonio Saura y Luis Feito, se organizarán alrededor de tres importantes muestras: la 1ª Bienal Hispanoamericana de 1951, el curso/exposición de Arte Abstracto de Santander en 1953 y la Bienal de Venecia de 1958. Estos tres acontecimientos culturales serán el “hilo conductor” para explicar cómo la abstracción vuelve a aparecer en España después de la guerra, y cómo su discurso se adaptó -por parte de todos los agentes implicados- para cumplir los requisitos del régimen. La primera bienal significó la tímida apertura estatal a las tendencias abstractas, mientras que el curso de Santander comportó su aceptación y readaptación por parte de la critica y de la “inteligencia” artística y, por último, la Bienal de Venecia trajo consigo el exitoso lanzamiento internacional de las mismas.

Esta exposición pretende romper el corsé construido por el formalismo, para introducir en la discusión diferentes tipos de discursos: películas, periódicos, moda, archivos, entrevistas y programas de radio serán confrontados a las obras de arte, para desarrollar una hipótesis sobre algunas de las razones que explican por qué motivo determinadas obras específicas tuvieron éxito y por qué otras, en cambio, ni siquiera fueron vistas y mucho menos discutidas.

Fuente: MACBA (Archivo PDF)

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Borja-Villel adelanta los planteamientos con los que impulsará el nuevo MACBA

Manuel Borja-Villel (Castellón, 1957), director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) desde 1998, comenta en dos entrevistas entrevistas concedidas a los periódicos El País y ABC los planteamientos con los que quiere impulsar la renovación de esta institución museística barcelonesa a las puertas de la inauguración en noviembre de su ampliación. Así mismo, Borja-Villel ha asumido recientemente la presidencia del Comité Internacional para Museos y Colecciones de Arte Moderno (CIMAN, un organismo dependiente de Comité Internacional de los Museos de la UNESCO) con lo que se espera que aplique estos mismos criterios en su gestión al frente de este comité.

Borja-Villel sostiene como una de sus ideas clave que la dirección de los museos debe permanecer en manos de académicos e intelectuales, frente a la “preocupante tendencia de convertir al director en gestor” con lo que se consigue que prevalezcan “valores y prácticas que no proceden de la estructura educativa”. Apoyándose en una doble crítica poscolonialista y anti-mercantilista, comenta que los museos “deberían ser custodios y no propietarios de las obras” y buscar alejarse de “las leyes del mercado basadas en la escasez de bienes” respecto aquellos soportes contemporáneos (como el vídeo, la fotografía, etc.) que pueden permitir la creación de colecciones-archivo compartidas entre distintas instituciones. Así mismo, en el contexto del CIMAN pretende alejarse del esquema eurocéntrico europeo introduciendo países de América Latina, Asia, Europa del Este y África.

Según el actual director del MACBA, y anteriormente director de la Fundación Tàpies de Barcelona, debemos huir tanto del rechazo gratuito del canon, como de la espectacularización comercial: “hay que recordar que este historiador –indica Jesús García Calero en ABC– huye con igual decisión del modelo de museo nacido para sancionar el canon –como fue el MoMA- y del centro-espectáculo, donde el contenedor es parte de la atracción, el público es audiencia y el marketing cobra peso -caso del Guggenheim”.

A pesar de ello Borja-Villel ha sido presidente de la 52 edición de la Bienal de Venecia, bastante criticada por su cada vez mayor orientación mercantilista, a lo que contesta: “Hay que matizar. Considero muy importantes bienales como la de Venecia, aunque sigue anclada en parámetros decimonónicos y necesitaría una ruptura radical, mientras que estuve en contra de la de Sevilla y la trienal de Barcelona. Estoy en contra de la bienalización y de la museificación cuando se convierten en el centro de la acción cultural”. En efecto, la Bienal de Venecia todavía tiene un prestigio que no se puede obviar, y es ahí donde podemos seguir observando de forma privilegiada muchas tendencias actuales en el campo del arte, incluso las que apuntan a la cada vez más dominante espectacularización y mercantilización. Lo que nos aporta una Bienal clásica como esta, es su propia perspectiva, pero esto no quiere decir que no se intente poner límites a dicha “forma de ver las cosas” desde el contexto que ofrecen las instituciones museísticas y educativas. La bienalización sin límites –es decir la repetición de este modelo a modo de franquicia– sólo puede tener efectos negativos a largo plazo. Y frente a la iniciativa privada, que como es lógico debe poder organizarse como le parezca adecuado, las prioridades públicas deben preocuparse por mantener ese equilibrio sensato que modere todas las tendencias en conflicto.

El museo en red. Las primeras acciones que ha tomado el MACBA para atajar el problema de la economía de la escasez de las copias en el campo del arte, se empiezan a materializar en un nuevo modelo de museo, el museo en red. Se entiende que estas prácticas son sobre todo válidas para las obras en soportes digitales. Así, “el MACBA incluso compra obras de arte a medias con otros museos. Lo está ultimando con el Whitney neoyorquino, con quien ha adquirido una fotografía de «Shapolsky & co», obra de Hans Haacke, dejando copias en ambos centros. Pero ya están en marcha otras ideas. Con el Vanabben Museum de Eindhoven, cuyos fondos son ricos en arte de Europa del Este, va a compartir su colección de acento latinoamericano, incluso teniendo en cuenta los intereses de ambos centros en las adquisiciones. También se comparten archivos completos de artista con el Centro Elegante de Rosario. El MACBA, en colaboración con Seacex, ayuda en la digitalización y se trae una copia de los fondos del movimiento Tucumán Arde a su nuevo Centro de documentación”.

Por último, esta nueva estrategia del MACBA arrancará en noviembre con “el nuevo edificio, que acogerá aulas, biblioteca y servicio de documentación” y se completará en el plano educativo con “nuevas estrategias de educación que no sigan el modelo tradicional de transmisión del saber”. Para ello, el museo barcelonés ofrecerá un programa educativo inédito que va desde la educación primaria hasta los estudios de posgrado, constituyendo así “otro pilar que sustenta el nacimiento de este nuevo museo”.

Fuentes:

• Entrevista a Manuel Borja-Villel, Roberta Bosco, 02/09/2007, El País, reproducida por E-barcelona.org
• El museo ha muerto, ¡viva el museo!, Jesús García Calero, ABC, reproducida por E-barcelona.org

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