Podcasting el Arte: museos y colectivos emplean este recurso tecnológico para ampliar la experiencia artística
La nuestra es realmente la época de la pantalla y muchos proyectos de artistas de hoy buscan un impacto visual, nos dice el filósofo Nicolas Bourriaud. Por tanto, la parte sonora de una obra de arte no tiene tanta importancia. El sonido es efímero. Se pierde y no permanece en ninguna parte. Pero a la vez el sonido aporta mucha información de lo que está pasando, aunque sea pasajero. Y es ahora con el podcasting que podemos prestar más atención a esta parte del arte.
El término podcasting fue usado por primera vez en 2004 por el periodista inglés Ben Hammersley para describir la posibilidad de escuchar audio en reproductores portátiles. Podcasting aparece como el acrónimo de las palabras anglosajonas ‘play-on-demand’ (pod), que quiere decir ‘reproduce según tu demanda’ y ‘broadcasting’, que quiere decir radiodifusión. El podcasting permite la grabación de radio por Internet o programas de audio de Internet. Estas grabaciones se pueden descargar a un reproductor portátil como por ejemplo, pero no solamente, un iPod, para poder escuchar la grabación en cualquier lugar o bien directamente desde el ordenador. El contenido de los podcasts artísticos es diverso, aunque suele ser una persona hablando sobre el arte. Mucha gente prefiere usar un guión y otros hablan a capella y de forma improvisada.
Por ejemplo, Raw Canvas, una iniciativa del Tate Modern para jóvenes entre 15 y 23 años, ha creado podcasts para la nueva colección del museo londinense. Querían crear una visita guiada diferente para unas 16 obras de arte. Los podcasts creados ofrecen una combinación de entrevistas, sonido y música como una manera alternativa de mirar el arte, para provocar que el espectador experimente otras maneras de interpretar el arte. Los archivos mp3 se pueden descargar en un reproductor portátil para escuchar mientras se anda por las galerías del museo, o escuchar directamente desde el ordenador mientras se visita la página web del Tate Modern. Una de las obras de esta nueva colección es el cuadro “Une étoile caresse le sein d’une négresse” (1938) de Joan Miró. En su podcast el músico Devendra Banhart explica por qué el cuadro de Miró está en equilibrio, mientras suena la canción “Now That I Know” de la banda Cripple Crow. Todo de una forma improvisada. Cuando de pronto se oye al Banhart que se rasca la barba, comenta que rascarse la barba en un museo es guay, y que el cincuenta por ciento de los visitantes siempre parecen ser guays.
El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) también tiene su programa de podcast que se llama Son[i]a. Sonia es la magnitud que expresa el nivel de sensación sonora producida por un sonido de intensidad. Son[i]a se presenta como una alternativa de consumo de la información que produce la actividad del museo, aprovechando sinergias que se generan a partir de la presencia de personajes, actividades y sonidos que transcurren en el MACBA. A la vez experimenta con el formato radio como espacio de síntesis, recuperando grabaciones sonoras de actividades que ya han tenido lugar en el programa de actividades del museo, pero que todavía están vigentes y que vale la pena poner a la disposición de los usuarios. Cada Son[i]a contendrá de forma variable diferentes secciones, como entrevista, cine, concierto y exposición. Siempre como un paisaje sonoro o el fondo del museo como el ruido de los skaters de la Plaça dels Àngels que también entra a formar parte de la experiencia de visitar al museo.
Pero también hay individuos desvinculados de las instituciones que crean sus propios podcasts para disfrutar el arte de una manera auditiva. Art Mobs, un grupo de estudiantes de artes de comunicación del Marymount Manhattan College, quería «remezclar» el Museum of Moden Art (MoMA) y ha creado podcasts como visitas guiadas no oficiales para el museo neoyorquino. Por ejemplo, el podcast para el cuadro Les Demoiselles d’Avignon (1907) de Pablo Picasso se escucha una discusión entre la estudiante Cheryl Stoeve y su profesor de historia del arte, Jason Rosenfeld. Según él, la obra en realidad trata sobre las enfermedades de transmisión sexual y Picasso estaba obsesionado con la sífilis, porque no había condones en aquella época. En otro podcast, el artista Michael Probe del grupo hip-hop Nuclear Family remezcla su hip-hop de Brooklyn con anuncios de la televisión de los años 50 inspirándose en el cuadro Family Picture (1920) de Max Beckmann. Los Art Mobs también invitan al público a crear sus propios podcasts para el MoMA que, junto con los podcasts de los Art Mobs, están disponibles para descargar a través de su blog.
Todas estas iniciativas y proyectos pioneros muestran la relevancia que el sonido puede tener en la experiencia e interpretación del arte. Seguramente si nos vamos a la puerta del MoMA y preguntamos a alguien que ha escuchado el podcast de los Art Mobs y a otro que no, las sensaciones provocadas serán muy diferentes. Uno habrá posiblemente sentido un escalofrío pensando en la sífilis mientras que el otro simplemente se haya fijado en los colores y en las prostitutas. Sí, probablemente no todo son ventajas. Pero no se puede negar que el sonido ofrece múltiples posibilidades de disfrutar y aprender más del arte.
Publicado por Ferenz Jacobs
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