Arte transgénico en Valencia

El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) expone una muestra antológica del artista brasileño Eduardo Kac (Río de Janeiro 1962). El artista, considerado el padre del arte transgénico y reconocido internacionalmente por sus instalaciones interactivas y por sus trabajos de bio arte, explora en su obra la fusión entre la ciencia, la poesía y la filosofía a través del uso de la tecnología y las técnicas avanzadas de ingeniería genética.

Génesis, 1999

La exposición que presenta el IVAM reúne una interesante retrospectiva del autor, está formada por 55 obras realizadas entre la década de los 80 y la actualidad. Piezas de distintas técnicas y múltiples soportes, desde hologramas digitales o videoinstalaciones hasta serigrafías y dibujos a lápiz o tinta sobre papel. La muestra recoge creaciones de las series: “Genesis” (1999) donde introdujo un gen sintético en unas bacterias, creando un biotopo con un mensaje en clave de ADN que llamó gen artístico; “Time Capsule” (1997) con motivo del décimo aniversario de está serie Kac volvió a realizar esta performance, en la inauguración de la exposición utilizó su propio cuerpo, en el que se había implantado un microchip, como campo de experiencia; GFP Bunny (2000) creó una conejita fluorescente, este animal transgénico, llamado Alba, generó gran cantidad de discursos críticos sobre los aspectos éticos, legales y estéticos de arte en relación a la tecnología genética; o “Move 36” (2002-2004) que explora los límites entre lo humano y lo no humano, lo viviente y lo inerte.

GPF Bunny, Alba the Fluorescent Rabbit, 2000

Eduardo Kac describe su arte como un intento de “explorar las conexiones entre lo físico y lo virtual, así como entre lo biológico y lo tecnológico con el fin de romper fronteras y entrar en una nueva ecología de lo híbrido”. Busca “sugerir una reflexión sobre los valores éticos y simbólicos de lo que está aconteciendo”, generando “interferencias productivas entre el arte, la ciencia y la conciencia social, propiciadas por las actuales tecnologías de la información y las telecomunicaciones”.

Su obra ha sido expuesta en museos, galerías y bienales como Exit Art y Ronald Fine Arts en Nueva York; Maison Européenne de la Photographie de París; OK Contemporary Art Center en Linz (Australia); Seoul Museum of Art Korea; Museum of Modern Art de Rio de Janeiro; Yokohama Triennial (Japón); Bienal de Sao Paulo; Kwangju Biennale de Korea; Weisman Art Museum de Minneapolis, Fundación Telefónica de Buenos Aires o en la feria internacional de ARCO en Madrid.

Fuentes: IVAM; Masdearte, Ekac.

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Julio González, la Colección del IVAM

Del amplio programa de actividades que presenta este año el IVAM, celebrando el 18 aniversario de su creación, sin duda, destaca la gran muestra sobre Julio González (Barcelona 1876 – París 1942), uno de los escultores más importantes del siglo XX.

Su obra no es muy numerosa y está distribuida entre los mayores museos de arte moderno: Musée Nacional d´Art Moderne de París, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museum of Modern Art de Nueva York. Pero la colección considerada la más completa de las existentes sobre el escultor se encuentra en el Institut Valencià d´Art Modern (IVAM). Iniciada en 1985, a partir de adquisiciones y donaciones, consta de 394 obras (esculturas, dibujos, orfebrería, pinturas y relieves). El museo también conserva obras de Joan González (Barcelona 1968-1908), hermano de Julio, y de Roberta, hija de Julio González.

La exposición Julio González. La Colección del IVAM reúne una selección de las obras más representativas del artista de esta colección. Mediante diferentes salas se propone una muestra de las obras que marcaron su trayectoria vital y artística:

Sala 1. De Barcelona a París (c. 1900-1920).

“(…) En esta sala se muestra un pequeña selección de objetos de orfebrería de Julio González y de dibujos de Joan González. Tanto en unos como en otros se puede observar cómo la influencia inicial del Modernismo va cediendo paulatinamente ante la del Novecentismo. Antes de 1920, a pesar de su dedicación a la orfebrería, Julio González cultivó también la pintura y la escultura. En esta sala se presentan una selección de dibujos, cuadros y esculturas realizadas en ese período (…)”

Sala 2. Planos y volúmenes.

“(…) En esta sala puede verse un grupo de relieves metálicos (latón, hierro, bronce o aleaciones de cobre) ejecutados por Julio González entre 1924 y 1928. Algunos de ellos están inacabados, y conservan trazos del dibujo preparatorio; ello nos permite comprender mejor el proceso de trabajo del escultor. Junto a los relieves se han incluido también algunos dibujos sobre papel, un medio que sirvió frecuentemente a González como instrumento auxiliar para la escultura (…)”

Sala 3. Dibujar en el espacio.

“(…) A partir de 1930, con esculturas como Arlequín, de la que aquí se presenta una fundición en bronce (el original de hierro forjado está en Kunsthaus de Zurich), Julio González formula un lenguaje escultórico que supone probablemente la mayor revolución formal llevada a cabo hasta ese momento en el campo de la escultura. Como se ha dicho muchas veces, esa revolución consistía en sustituir las masas y volúmenes llenos de escultura tradicional, por un nuevo lenguaje hecho de planos, líneas y vacíos (…)”

Sala 4. La materia. La sombra. El sueño.

“(…) Julio González aborda, en torno a 1934, unas nuevas vías de búsqueda que le orientarán hacia valores propios de la estatuaria tradicional, valores de masa, volumen y superficie. Este deslizamiento puede entenderse, en términos formales, como una vía de investigación distinta, quizá contraria, a la de los primeros años 30. Pero se puede entender también a la luz de una cadena de asociaciones metafóricas entre los términos: volumen cerrado, sombra, noche y materia. Las obras que mejor responden a esta nueva vía de investigación son además de El encapuchado, Mujer sentada, Mujer sentada II, (de las que se muestran aquí versiones en bronce fundido) y un conjunto de cabezas hechas en piedra calcárea que la mayor parte de los especialistas datan en torno a 1934-36, pero que fueron realizadas probablemente a lo largo de un período de tiempo más largo.”

Sala 5. Tiempos de guerra. Últimas obras.

“(…) En 1940 con la ocupación alemana, Julio González, abandona París y, aunque vuelve a su taller al cabo de unos meses, no le es posible ya trabajar en metal porque carece de combustible para la soldadura autógena y para la forja. Sus últimas obras (el artista muere en marzo de 1943) son dibujos o pequeñas esculturas de escayola que tienen un carácter íntimo, despoblado y fragmentado. Son los últimos frutos del gran proyecto artístico de Julio González. El proyecto de crear una escultura moderna capaz de dar testimonio de su tiempo con la misma intensidad con que lo hacia la escultura de las catedrales medievales.”

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