Dennis Ashbaugh reflexiona sobre la estética de la biología en el IVAM

El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) nos ofrece una interesante exposición La estética de la Biología, que gira en torno a la obras del pintor estadounidense Dennis Ashbaugh (Iowa, 1946). La muestra formada por 47 obras del autor, siete de las cuales han sido realizadas para la ocasión. Con esta selección y la de Eduardo Kac (que ya comentamos en Art Signal E-News) el museo valenciano conforma un ciclo especial dedicado al arte y ciencia.

Lanky Monster (Monstruo larguirucho), 2007. Técnica mixta sobre lienzo 284,5 x 304,8 cm. Donado por el autor para engrosar la colección del IVAM

Ashbaugh, conocido por fundir en sus cuadros arte y reflexión sobre la genética y la biotecnología, desde los años 80 explora la imaginería del código genético, hasta llegar a realizar una serie de pinturas en la que el ADN es el protagonista. Dos de sus referencias evidentes son Pollock y Mondrian, a los que en la exposición dedica sendos cuadro. La exhibición del IVAM no deja indiferente a nadie, las obras de tamaño monumental (característica propia de la Escuela de Nueva York) son grandes retratos genéticos con cadenas de ADN como protagonistas. El itinerario culmina en una sala donde se han instalado las obras más recientes. Se trata de formas marinas que se entrelazan aludiendo al camuflaje de los peces tropicales y al estampado de los uniformes de combate, que se inspiran en la reciente visita del pintor al L´Oceanogràfic de la Ciudad de la Arte y las Ciencias de Valencia.

El deseo de Dennis Ashbaugh pretende es “encontrar un lenguaje popular, quiero que la gente pueda entender a través de mis cuadros”, acercar conceptos tan complicados para el espectador de forma cercana, el mismo pintor comparó su pretensión de llegar al público con lo que hizo Andy Warhol al utilizar iconos cotidianos como la sopa Campbell.

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La Tate de Londres se agrieta

La Tate Modern de Londres ha vuelto a sorprender con una insólita exposición, una grieta de 167 metros en el piso de cemento de su Sala Turbinas. Se trata de una escultura de la artista colombiana Doris Salcedo, para la serie anual Unilever de este prestigioso espacio de arte contemporáneo. Su título es Shibboleth, término que en el Antiguo Testamento se refiere a la exclusión de una persona por un grupo.

Es poco habitual que una obra utilice para su elaboración la propia materia constructiva del edificio donde se expone (en este caso el cemento de su suelo), en lugar de servirse del volumen para ello, lo destruye creando un gran vacío. Para la construcción de esta grieta, calificada como una escultura subterránea, ha sido necesario un examen técnico de la Tate Modern, para cerciorarse que la zanja que cruza la Sala Turbinas, de este edificio que anteriormente fue una central eléctrica, no iba afectar a la solidez de su estructura. Sin embargo, no sabemos como fue realizada la fractura que se trata de un elaborado corte de paredes rugosas en lugar de lisas como trazaría una máquina. Cuando finalice la exposición en abril, la grieta en el cemento se cubrirá de nuevo.

La inquietante zanja zigzagueante es comparada con el racismo, la modernidad y la inequidad que representa. Según la artista “la obra lo que intenta es marcar la división profunda que existe entre la humanidad y los que no somos considerados exactamente ciudadanos o humanos, marcar que existe una diferencia profunda, literalmente sin fondo, entre estos dos mundos que jamás se tocan, que jamás se encuentran” (…) “yo creo que el racismo no es, digamos, un síntoma de un malestar que sufre la sociedad del primer mundo, sino que es la enfermedad misma” (…) “El odio racista marca la vida, define cómo vivimos las personas en el mundo”.

Doris Salcedo, Shibboleth, 2007 - Foto: TATE

Fuentes: BBC Mundo, TATE

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