El MARCO de Vigo celebra su quinto aniversario con la exposición ‘Tiempo al tiempo’

El Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (MARCO), con motivo de la celebración de su quinto aniversario, que tendrá lugar en próximo 13 de noviembre, presenta una gran exposición que ocupa todos los espacios del edificio y que pretende reflexionar sobre el paso del tiempo, una temática especialmente oportuna como balance de los cinco años que cumple el museo.

Tras finalizar el pasado 22 de octubre la segunda edición de la Feria de Arte Contemporáneo ‘Pura Arte 2007′ en Vigo, toma el relevo la exposición Tiempo al tiempo / Taking time del MARCO. La muestra esta compuesta por un total de 82 obras realizadas por 34 artistas, de las cuales 41 está producidas especialmente para la ocasión. Todas estas obras: fotografías, vídeos, esculturas, pinturas, videoinstalaciones, videoproyecciones, piezas sonoras, impresiones digitales, dibujos, instalaciones… presenta su propia interpretación del tiempo. Partiendo de este leitmotiv la exposición recorre varias acepciones del término e indaga sobre el lugar que ocupa en el pensamiento occidental un término que ha sido de gran interés para artistas y pensadores de todas épocas. A través de la selección de este conjunto de obras se ofrece distintas reflexiones del miedo a envejecer, a los cambios o a las transformaciones que afectan a la vida cotidiana.

Jorge Barbi (Foto/MARCO)

Entre la larga lista de interpretaciones y artistas podemos señalar la medición obsesiva del tiempo de Gianni Motti, la sutil visión del tiempo congelado en el reloj de arena de Jorge Barbi, el gong marcador del tiempo de Daniele Pippi, la ironía de los objetos petrificados de Jimmie Durham, las investigaciones científicas de Jorge Peris y Rubén Ramos Balsa, o la reinterpretación de la historia del arte y sus símbolos de Guilio Paolini, Nedko Solakov o Sam Taylor-Wood. Según Isabel Carlos comisaria de la exposición “La diversidad de expresiones, registros, lenguajes y orígenes demuestra que la reflexión sobre el tiempo conlleva una multiplicidad de sentidos y será siempre universal y fundadora de la condición humana y de la práctica artística. Y en ese sentido, una exposición sobre el tiempo es siempre de algún modo un retrato, pero también un paisaje de nosotros mismos”.

Sam Taylor Wood (Foto: MARCO)

Fuentes: MARCO

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Julio González, la Colección del IVAM

Del amplio programa de actividades que presenta este año el IVAM, celebrando el 18 aniversario de su creación, sin duda, destaca la gran muestra sobre Julio González (Barcelona 1876 – París 1942), uno de los escultores más importantes del siglo XX.

Su obra no es muy numerosa y está distribuida entre los mayores museos de arte moderno: Musée Nacional d´Art Moderne de París, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museum of Modern Art de Nueva York. Pero la colección considerada la más completa de las existentes sobre el escultor se encuentra en el Institut Valencià d´Art Modern (IVAM). Iniciada en 1985, a partir de adquisiciones y donaciones, consta de 394 obras (esculturas, dibujos, orfebrería, pinturas y relieves). El museo también conserva obras de Joan González (Barcelona 1968-1908), hermano de Julio, y de Roberta, hija de Julio González.

La exposición Julio González. La Colección del IVAM reúne una selección de las obras más representativas del artista de esta colección. Mediante diferentes salas se propone una muestra de las obras que marcaron su trayectoria vital y artística:

Sala 1. De Barcelona a París (c. 1900-1920).

“(…) En esta sala se muestra un pequeña selección de objetos de orfebrería de Julio González y de dibujos de Joan González. Tanto en unos como en otros se puede observar cómo la influencia inicial del Modernismo va cediendo paulatinamente ante la del Novecentismo. Antes de 1920, a pesar de su dedicación a la orfebrería, Julio González cultivó también la pintura y la escultura. En esta sala se presentan una selección de dibujos, cuadros y esculturas realizadas en ese período (…)”

Sala 2. Planos y volúmenes.

“(…) En esta sala puede verse un grupo de relieves metálicos (latón, hierro, bronce o aleaciones de cobre) ejecutados por Julio González entre 1924 y 1928. Algunos de ellos están inacabados, y conservan trazos del dibujo preparatorio; ello nos permite comprender mejor el proceso de trabajo del escultor. Junto a los relieves se han incluido también algunos dibujos sobre papel, un medio que sirvió frecuentemente a González como instrumento auxiliar para la escultura (…)”

Sala 3. Dibujar en el espacio.

“(…) A partir de 1930, con esculturas como Arlequín, de la que aquí se presenta una fundición en bronce (el original de hierro forjado está en Kunsthaus de Zurich), Julio González formula un lenguaje escultórico que supone probablemente la mayor revolución formal llevada a cabo hasta ese momento en el campo de la escultura. Como se ha dicho muchas veces, esa revolución consistía en sustituir las masas y volúmenes llenos de escultura tradicional, por un nuevo lenguaje hecho de planos, líneas y vacíos (…)”

Sala 4. La materia. La sombra. El sueño.

“(…) Julio González aborda, en torno a 1934, unas nuevas vías de búsqueda que le orientarán hacia valores propios de la estatuaria tradicional, valores de masa, volumen y superficie. Este deslizamiento puede entenderse, en términos formales, como una vía de investigación distinta, quizá contraria, a la de los primeros años 30. Pero se puede entender también a la luz de una cadena de asociaciones metafóricas entre los términos: volumen cerrado, sombra, noche y materia. Las obras que mejor responden a esta nueva vía de investigación son además de El encapuchado, Mujer sentada, Mujer sentada II, (de las que se muestran aquí versiones en bronce fundido) y un conjunto de cabezas hechas en piedra calcárea que la mayor parte de los especialistas datan en torno a 1934-36, pero que fueron realizadas probablemente a lo largo de un período de tiempo más largo.”

Sala 5. Tiempos de guerra. Últimas obras.

“(…) En 1940 con la ocupación alemana, Julio González, abandona París y, aunque vuelve a su taller al cabo de unos meses, no le es posible ya trabajar en metal porque carece de combustible para la soldadura autógena y para la forja. Sus últimas obras (el artista muere en marzo de 1943) son dibujos o pequeñas esculturas de escayola que tienen un carácter íntimo, despoblado y fragmentado. Son los últimos frutos del gran proyecto artístico de Julio González. El proyecto de crear una escultura moderna capaz de dar testimonio de su tiempo con la misma intensidad con que lo hacia la escultura de las catedrales medievales.”

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