Alexander Calder y New Photography 2007 en el MoMA de Nueva York

El renombrado museo situado entre la 5º y la 6º avenida de la ciudad de Nueva York, presentó en el pasado mes de septiembre sus primeras exposiciones de la temporada otoño-invierno: la exposición dedicada al escultor norteamericano Alexander Calder (1898-1976), junto a la muestra anual New Photography, que incluye obras de Tanyth Berkeley, Scott McFarland y Berni Searle.

La exposición bajo el rótulo ‘Alexander Calder’ se centra en las obras creadas por este escultor en las décadas de los 20 y los 40, previas a su época de trabajos monumentales para el espacio público. Famoso por sus esculturas móviles abstractas, también presentes en esta muestra comisariada por Anne Umland y Veronica Roberts del departamento del pintura y escultura del museo, Calder demuestra “su humor, sofisticación visual y creatividad en su forma de hacer arte, lo que sigilosamente revolucionó las ideas de lo que una escultura moderna puede ser”.

Alexander Calder. Spider, 1939. © 2007 Estate of
Alexander Calder / Artists Rights Society (ARS), New York

Por otro lado, la muestra anual ‘New Photography’ se acerca al trabajo de tres fotógrafos de procedencias, estilos y técnicas muy diversas, según explica Eva Respini, comisaria de la misma.

Tanyth Berkely (EE.UU, 1969) se concentra en retratos que van desde mujeres travestis, performers urbanos, a otros de sus propios amigos. En todos ellos hay una intención de buscar nuevos caminos con los que redefinir las convenciones de lo bello. Berkeley ha realizado recientemente su segunda exposición en solitario en la Galería Bellwether de Nueva York, después de haber participado en otras muestras colectivas en el PS1 (2005) y el Museo de Arte Contemporáneo de Colorado (2005).

Tanyth Berkeley, Grace in the window, 2006 - Cortesía de la Galería Bellwether, Nueva York

Scott McFarland (Canadá, 1975) combina digitalmente múltiples negativos con lo que consigue fusionar en una misma imagen, el paso del tiempo que se refleja en los diversos instantes en los que realiza estas fotografías, en ocasiones separados por semanas o meses de diferencia. McFarland se interesa especialmente por lugares artificialmente construidos con el objetivo de hacerlos parecer naturales, por ejemplo, de los Jardines Botánicos de San Marino (California) o del Zoo de Berlín. Sus exposiciones recientes incluyen ‘The Constructed Image: Photographic Culture’ en el Museo Canadiense de Arte Contemporáneo en Toronto (2007) y ‘Acting the Part: Photography as Theatre’ en la Vancouver Art Gallery (2007).

Scott McFarland. Echinocactus Grusonii, 2006 © 2007 Scott McFarland

Berni Searle (Sudáfrica, 1964) trabaja con fotografías e instalaciones de vídeo y cine. Su serie ‘About to Forget’ muestra una serie fotográfica de instantáneas de su familia a lo largo de tres generaciones, con las que después recorta sus siluetas y recrea nuevos grupos. ‘Approach’ y ‘Descent I, II, II’ –reproducidas a continuación– muestran a una mujer sobre lo que parece una pequeña montaña al amanecer y al anochecer, sin embargo, aquello que parece tierra es en realidad una enorme acumulación de huevas a las ya se les ha sacado su jugo para hacer vino. Así, el acto de pisar uvas para hacer vino –inspirado en la tradición vinícola existente en Sudáfrica implantada por franceses y holandeses en el siglo XVIII– se “convierte en un proceso inútil y agotado que evoca simbólicamente las ideas de abundancia, exceso y vulnerabilidad”. Sus exposiciones se han presentado en la Johannesburg Art Gallery (2006-2007) ), la muestra “Global Feminism” en el Brooklyn Museum (2007), y las Bienales de Venecia del 2001 y 2005.

Bernie Searle, Approach, 2006 - Cortesía de Michael Stevenson

Fuentes: MoMA; Artdaily; Berni Searle.

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“Paul Klee. La infancia en la edad adulta” en el Centro Atlántico del Arte Moderno

NOTA DE PRENSA.- A partir del 19 de octubre, y hasta el 5 de enero de 2008, el Centro Atlántico de Arte Moderno. CAAM de Las Palmas de Gran Canaria presenta la exposición Paul Klee. La infancia en la edad adulta, la exposición más importante del artista suizo que se celebra en España desde la pasada década.

Paul Klee. La infancia en la edad adulta

Mark Gisbourne, su comisario, ofrece una visión contemporánea del artista que analiza, desde la filosofía y la psicología evolutiva, lo que pervive del niño en el artista adulto. La exposición cuenta con una selección de cincuenta y cinco obras en diferentes soportes: dibujos, acuarelas, óleos, marionetas piezas procedentes del Zentrum Paul Klee (Suiza) y el SFMOMA (Museun of Modern Art. San Francisco. USA), cuyas obras pertenecen al profesor Carl Djerassi, uno de los principales coleccionistas de creaciones de Klee, lo que hace de la exposición una oportunidad única de admirar trabajos del artista rara vez expuestos en Europa.

Paul Klee fue un artista que entendió, quizás mucho más que cualquier otro, la profundidad del pozo emocional y de los residuos creativos procedentes de los primeros años de su vida y de las experiencias de la infancia. Siguiendo el famoso aforismo de Nietzsche, Klee comprendió totalmente que “esta es la etapa más inteligente del arte de la pintura que sólo unos pocos entienden”.

Kleine Winterlandschaft mit dem Sililüfer (Pequeño paisaje
de invierno con esquiadores), 1924 / Acuarela sobre papel

Con la selección de obras de esta exposición, el CAAM se acerca a la pervivencia de los rasgos de la infancia en la obra de Klee, algo que mantuvo y desarrolló a lo largo de su vida adulta. El interés se centra menos en el arte de la infancia, es decir el Arte Infantil, y más en los caminos creativos “nunca olvidados”, que Klee transportó y convirtió en un universo pictórico que fue completo y genuinamente suyo. Nació en 1879, y se situó a comienzos de la edad moderna. Los temas de sus obras reflejan la transición del mundo de sistemas estáticos al mundo de la velocidad dinámica y del desarrollo motorizado del siglo XX. Con dibujos y otras obras de la primera etapa de la infancia, las obras de Klee tocan muchos de los aspectos más importantes del mundo de la transición del “arte moderno” en los primeros cuatro decenios del siglo XX. Klee muere en 1940. Cada período de la vida del artista, los primeros años en Suiza, los años en Munich que le llevaron al grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) (1911) y, a partir de entonces, a los años de la Bauhaus (1920-31), y la intensidad del florecimiento tardío de los dibujos infantiles del artista tras su regreso a su Suiza natal, quedan reflejados y se presentan en la exposición del CAAM.

Esta exposición muestra, por tanto, la fascinación perpetua de Klee con la línea como símbolo y con los medios gráficos, y su relación con la música y el teatro, con el mundo a pequeña escala, que cabe en la mano, con los códigos de la naturaleza y su simbología oculta. Casi todo en la obra de Paul Klee trata sobre el ser humano, tanto en sus aspiraciones a pequeña escala como de largo alcance. Nunca hubo un abstraccionista igual, él abstrae simbólicamente el mundo, siempre dirigiendo al espectador hacia lo principal de la vida humana imaginativa. Es una cualidad de lo indudablemente humano, que le ha conferido posteriormente a su obra ese atractivo universal. En los sesenta años más o menos posteriores a su muerte, nunca ha caído en desgracia. El atractivo humano de Klee ha influenciado a innumerables artistas y sigue influenciándolos hoy. Es un profeta de lo que sabemos, pero también de todo lo que olvidamos con frecuencia. Son manifiestas sus credenciales humanistas, y no existe nada en la rutina cotidiana diaria de nuestra vida que sea tan pequeño e insignificante que no podamos aprender algo de ello. Paul Klee aprendió e interiorizó bien esta lección, y su arte supone un testimonio ilustrativo del niño que habita en el hombre.

Con motivo de esta exposición, el CAAM ha editado un catálogo con textos de profesor Carl Djerassi, Dr Kudielka, así como del comisario Mark Gisbourne, e imágenes de todas las obras expuestas.

Fuente: Centro Atlántico de Arte Moderno; Urroz Proyectos.

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