Julio González, la Colección del IVAM

Del amplio programa de actividades que presenta este año el IVAM, celebrando el 18 aniversario de su creación, sin duda, destaca la gran muestra sobre Julio González (Barcelona 1876 – París 1942), uno de los escultores más importantes del siglo XX.

Su obra no es muy numerosa y está distribuida entre los mayores museos de arte moderno: Musée Nacional d´Art Moderne de París, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museum of Modern Art de Nueva York. Pero la colección considerada la más completa de las existentes sobre el escultor se encuentra en el Institut Valencià d´Art Modern (IVAM). Iniciada en 1985, a partir de adquisiciones y donaciones, consta de 394 obras (esculturas, dibujos, orfebrería, pinturas y relieves). El museo también conserva obras de Joan González (Barcelona 1968-1908), hermano de Julio, y de Roberta, hija de Julio González.

La exposición Julio González. La Colección del IVAM reúne una selección de las obras más representativas del artista de esta colección. Mediante diferentes salas se propone una muestra de las obras que marcaron su trayectoria vital y artística:

Sala 1. De Barcelona a París (c. 1900-1920).

“(…) En esta sala se muestra un pequeña selección de objetos de orfebrería de Julio González y de dibujos de Joan González. Tanto en unos como en otros se puede observar cómo la influencia inicial del Modernismo va cediendo paulatinamente ante la del Novecentismo. Antes de 1920, a pesar de su dedicación a la orfebrería, Julio González cultivó también la pintura y la escultura. En esta sala se presentan una selección de dibujos, cuadros y esculturas realizadas en ese período (…)”

Sala 2. Planos y volúmenes.

“(…) En esta sala puede verse un grupo de relieves metálicos (latón, hierro, bronce o aleaciones de cobre) ejecutados por Julio González entre 1924 y 1928. Algunos de ellos están inacabados, y conservan trazos del dibujo preparatorio; ello nos permite comprender mejor el proceso de trabajo del escultor. Junto a los relieves se han incluido también algunos dibujos sobre papel, un medio que sirvió frecuentemente a González como instrumento auxiliar para la escultura (…)”

Sala 3. Dibujar en el espacio.

“(…) A partir de 1930, con esculturas como Arlequín, de la que aquí se presenta una fundición en bronce (el original de hierro forjado está en Kunsthaus de Zurich), Julio González formula un lenguaje escultórico que supone probablemente la mayor revolución formal llevada a cabo hasta ese momento en el campo de la escultura. Como se ha dicho muchas veces, esa revolución consistía en sustituir las masas y volúmenes llenos de escultura tradicional, por un nuevo lenguaje hecho de planos, líneas y vacíos (…)”

Sala 4. La materia. La sombra. El sueño.

“(…) Julio González aborda, en torno a 1934, unas nuevas vías de búsqueda que le orientarán hacia valores propios de la estatuaria tradicional, valores de masa, volumen y superficie. Este deslizamiento puede entenderse, en términos formales, como una vía de investigación distinta, quizá contraria, a la de los primeros años 30. Pero se puede entender también a la luz de una cadena de asociaciones metafóricas entre los términos: volumen cerrado, sombra, noche y materia. Las obras que mejor responden a esta nueva vía de investigación son además de El encapuchado, Mujer sentada, Mujer sentada II, (de las que se muestran aquí versiones en bronce fundido) y un conjunto de cabezas hechas en piedra calcárea que la mayor parte de los especialistas datan en torno a 1934-36, pero que fueron realizadas probablemente a lo largo de un período de tiempo más largo.”

Sala 5. Tiempos de guerra. Últimas obras.

“(…) En 1940 con la ocupación alemana, Julio González, abandona París y, aunque vuelve a su taller al cabo de unos meses, no le es posible ya trabajar en metal porque carece de combustible para la soldadura autógena y para la forja. Sus últimas obras (el artista muere en marzo de 1943) son dibujos o pequeñas esculturas de escayola que tienen un carácter íntimo, despoblado y fragmentado. Son los últimos frutos del gran proyecto artístico de Julio González. El proyecto de crear una escultura moderna capaz de dar testimonio de su tiempo con la misma intensidad con que lo hacia la escultura de las catedrales medievales.”

Comparte esta anotación

“Bajo la bomba. El jazz de la guerra de imágenes transatlántica. 1946-1956″ en el MACBA

Hoy hemos asistido a la inauguración de la exposición ‘Bajo la bomba (…)’ en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). A continuación incluímos algunas fotografías del evento y la nota de prensa correspondiente al mismo. También podemos anunciar que en el número 2 de Art Signal Magazine publicaremos un artículo más, dedicado a esta muestra y al contexto del arte en Estados Unidos y Francia durante los inicios de la Guerra Fría.

NOTA DE PRENSA.- Esta exposición analiza las querellas estéticas del periodo comprendido entre 1946 y 1956, época en la que Nueva York sustituyó a París como centro neurálgico del arte moderno. La muestra pretende comparar y contrastar el arte producido en Francia y en EEUU en esos años, con el objetivo de entender cómo y por qué algunas obras se convirtieron, aunque fuera por poco tiempo en cada país, en iconos culturales que contenían poderes simbólicos fabulosos pero limitados, para después convertirse en signos mediáticos comercializables de gran popularidad.

En Bajo la bomba (…) se estudiarán, asimismo, los motivos por los cuales los iconos populares de una cultura no fueron reconocidos por la otra cultura en ese momento particular. Después de la victoria del expresionismo abstracto, los críticos americanos despreciaron la producción artística francesa por considerarla vana y sin sentido. Confrontada con la imponente presencia del movimiento victorioso del expresionismo abstracto, la escena artística francesa, en su riqueza fragmentada, parecía incapaz de proyectar una voz o dirección únicas para el futuro, como París lo había hecho en el pasado.

Estudiar la historia del arte francés y norteamericano posterior a la II Guerra Mundial constituye hoy un reto considerable, no solo porque este período no ha sido estudiado en profundidad, sino porque el consenso entre investigadores ha sido moldeado profundamente por el éxito del arte americano. El arte francés de esta época ha sido considerado como débil e irrelevante, pero lo interesante es que en ese momento mostraba las características esenciales de la producción artística occidental: los mismos debates sobre el realismo, la abstracción geométrica y formas del expresionismo abstracto. Lo específico a la escena francesa era la politización extrema de la expresión artística en una cultura todavía contenida en una tradición revolucionaria y violenta, en un momento de grandes tensiones durante los días de división en la Guerra Fría.

La exposición, organizada siguiendo un orden cronológico estricto, incluirá obras de pintores de la vanguardia clásica tan conocidos como Pablo Picasso, Fernand Léger, Wassily Kandinsky o Henri Matisse -que tuvieron gran peso en el desarrollo del arte de la postguerra- y dará también la oportunidad de contemplar obras de artistas raramente expuestos en España, vinculados al partido comunista francés, como Jean Dewasne o Edouard Pignon. El núcleo central de la muestra se desarrolla alrededor de obras de artistas tan fundamentales como Jackson Pollock, Motherwell, Willem de Kooning, Mark Rothko, Gorky, Wols, Michaux, van de Velde, de Staël, Soulages, Hartung… así como las de otros artistas relevantes en su momento, pero olvidados para el gran público: Giuseppe Capogrossi, Vieira da Silva, Howard Daum, Gertrude Barrer, Alfred Manessier o Steve Wheeler, o los pintores afroamericanos Romare Bearden y Byron Brown, entre otros.

Las obras de todos estos artistas, que se convirtieron en su momento en importantes puntos de referencia en medio del “caos” de la vida cotidiana, serán analizadas en esta exposición en relación a su historia particular y discutidas en el marco de los problemas del momento.

También se ilustrará la participación del estado español en este debate transoceánico de imágenes. Para ello, y siguiendo la estructura de la exposición, se han seleccionado un gran número de documentos de la época que, junto con obras de artistas como Esteban Vicente, José Guerrero, Antoni Tàpies, Manuel Millares, Antonio Saura y Luis Feito, se organizarán alrededor de tres importantes muestras: la 1ª Bienal Hispanoamericana de 1951, el curso/exposición de Arte Abstracto de Santander en 1953 y la Bienal de Venecia de 1958. Estos tres acontecimientos culturales serán el “hilo conductor” para explicar cómo la abstracción vuelve a aparecer en España después de la guerra, y cómo su discurso se adaptó -por parte de todos los agentes implicados- para cumplir los requisitos del régimen. La primera bienal significó la tímida apertura estatal a las tendencias abstractas, mientras que el curso de Santander comportó su aceptación y readaptación por parte de la critica y de la “inteligencia” artística y, por último, la Bienal de Venecia trajo consigo el exitoso lanzamiento internacional de las mismas.

Esta exposición pretende romper el corsé construido por el formalismo, para introducir en la discusión diferentes tipos de discursos: películas, periódicos, moda, archivos, entrevistas y programas de radio serán confrontados a las obras de arte, para desarrollar una hipótesis sobre algunas de las razones que explican por qué motivo determinadas obras específicas tuvieron éxito y por qué otras, en cambio, ni siquiera fueron vistas y mucho menos discutidas.

Fuente: MACBA (Archivo PDF)

Comparte esta anotación