Julio González, la Colección del IVAM

Del amplio programa de actividades que presenta este año el IVAM, celebrando el 18 aniversario de su creación, sin duda, destaca la gran muestra sobre Julio González (Barcelona 1876 – París 1942), uno de los escultores más importantes del siglo XX.

Su obra no es muy numerosa y está distribuida entre los mayores museos de arte moderno: Musée Nacional d´Art Moderne de París, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museum of Modern Art de Nueva York. Pero la colección considerada la más completa de las existentes sobre el escultor se encuentra en el Institut Valencià d´Art Modern (IVAM). Iniciada en 1985, a partir de adquisiciones y donaciones, consta de 394 obras (esculturas, dibujos, orfebrería, pinturas y relieves). El museo también conserva obras de Joan González (Barcelona 1968-1908), hermano de Julio, y de Roberta, hija de Julio González.

La exposición Julio González. La Colección del IVAM reúne una selección de las obras más representativas del artista de esta colección. Mediante diferentes salas se propone una muestra de las obras que marcaron su trayectoria vital y artística:

Sala 1. De Barcelona a París (c. 1900-1920).

“(…) En esta sala se muestra un pequeña selección de objetos de orfebrería de Julio González y de dibujos de Joan González. Tanto en unos como en otros se puede observar cómo la influencia inicial del Modernismo va cediendo paulatinamente ante la del Novecentismo. Antes de 1920, a pesar de su dedicación a la orfebrería, Julio González cultivó también la pintura y la escultura. En esta sala se presentan una selección de dibujos, cuadros y esculturas realizadas en ese período (…)”

Sala 2. Planos y volúmenes.

“(…) En esta sala puede verse un grupo de relieves metálicos (latón, hierro, bronce o aleaciones de cobre) ejecutados por Julio González entre 1924 y 1928. Algunos de ellos están inacabados, y conservan trazos del dibujo preparatorio; ello nos permite comprender mejor el proceso de trabajo del escultor. Junto a los relieves se han incluido también algunos dibujos sobre papel, un medio que sirvió frecuentemente a González como instrumento auxiliar para la escultura (…)”

Sala 3. Dibujar en el espacio.

“(…) A partir de 1930, con esculturas como Arlequín, de la que aquí se presenta una fundición en bronce (el original de hierro forjado está en Kunsthaus de Zurich), Julio González formula un lenguaje escultórico que supone probablemente la mayor revolución formal llevada a cabo hasta ese momento en el campo de la escultura. Como se ha dicho muchas veces, esa revolución consistía en sustituir las masas y volúmenes llenos de escultura tradicional, por un nuevo lenguaje hecho de planos, líneas y vacíos (…)”

Sala 4. La materia. La sombra. El sueño.

“(…) Julio González aborda, en torno a 1934, unas nuevas vías de búsqueda que le orientarán hacia valores propios de la estatuaria tradicional, valores de masa, volumen y superficie. Este deslizamiento puede entenderse, en términos formales, como una vía de investigación distinta, quizá contraria, a la de los primeros años 30. Pero se puede entender también a la luz de una cadena de asociaciones metafóricas entre los términos: volumen cerrado, sombra, noche y materia. Las obras que mejor responden a esta nueva vía de investigación son además de El encapuchado, Mujer sentada, Mujer sentada II, (de las que se muestran aquí versiones en bronce fundido) y un conjunto de cabezas hechas en piedra calcárea que la mayor parte de los especialistas datan en torno a 1934-36, pero que fueron realizadas probablemente a lo largo de un período de tiempo más largo.”

Sala 5. Tiempos de guerra. Últimas obras.

“(…) En 1940 con la ocupación alemana, Julio González, abandona París y, aunque vuelve a su taller al cabo de unos meses, no le es posible ya trabajar en metal porque carece de combustible para la soldadura autógena y para la forja. Sus últimas obras (el artista muere en marzo de 1943) son dibujos o pequeñas esculturas de escayola que tienen un carácter íntimo, despoblado y fragmentado. Son los últimos frutos del gran proyecto artístico de Julio González. El proyecto de crear una escultura moderna capaz de dar testimonio de su tiempo con la misma intensidad con que lo hacia la escultura de las catedrales medievales.”

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A-Desk Número 19

La revista de crítica de arte A-Desk ha publicado su último número mensual correspondiente a Octubre. Este proyecto de gran interés dada la necesidad de que existan medios más especializados en el campo de la reflexión crítica se propone –según señalan en su apartado de información– tratar un “abanico de procesos de mediación entre la escritura y la práctica artística: fundamentalmente crítica de arte, pero también textos de ensayo más amplios, opinión sobre cuestiones contextuales, entrevistas…”. En el presente número se incluyen los siguientes textos que os invitamos a consultar, así como los archivos de todos los números anteriores:

• Sobre la exposición “Muntadas. Projecte/Proyecto/Project” en la Galería Joan Prats de Barcelona por Montse Badia

La noción de proyecto implica el deseo o el pensamiento de ejecutar alguna cosa. Alude a una tarea específica de investigación. Sin embargo, la noción de proyecto corre el riesgo de banalizarse. En su exposición más reciente, Muntadas sigue fiel a su trabajo, aunque añadiendo un guiño cómplice.

• La imposibilidad de un futuro completo. Sobre “Arqueologías del Futuro”, Sala Rekalde, Bilbao por Marti Manen

Cansados de la historia en mayúsculas, los artistas buscan entre retazos nuevos sistemas para, más que explicar, insinuar lo que ha pasado. Mediante los detalles, mediante las pistas, podemos observar nuestro alrededor y descubrir que los temas que conforman las obras en la exposición son los que dirigen nuestro día a día.

• Residencias de trabajo. Sobre I Like to Be a Resident. La Capella. Barcelona por David Armengol

El proyecto Roundabout. Encounter Program que Martí Peran dirige desde 2002 llega ahora a su quinta edición; esta vez favoreciendo el intercambio artístico entre Barcelona y Jerusalén. Una propuesta en estado de madurez que, al margen del simple canje expositivo de un lugar al otro como estrategia de aprendizaje y difusión, se articula en esta ocasión a partir de la idea de residencia, quizás el modelo más efectivo y enriquecedor para un artista que trabaja y expone fuera de su contexto habitual.

• Realidad y representación. Sobre “Candida Höfer en Portugal”, Caixa Forum por Milena Pi

En 2005 el Centro Cultural de Belém en Lisboa invitó a Candida Höfer a catalogar el patrimonio histórico arquitectónico portugués. Hasta el seis de enero de 2008 el CaixaForum expone 28 de las 80 fotografías ahí tomadas, a la vez que reabre, colateralmente, grandes temas como la representación y la construcción en la tradición artística occidental.

Desde aquí queremos felicitar a sus editores por el trabajo realizado y deseamos que la publicación siga adelante como hasta ahora.

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